木雕是一種古老的藝術風格

木雕是一種古老的藝術風格

木雕是一種古老的藝術風格，但藝術家謝爾蓋·Bobkov使得像什麼，你以前見過。53歲的雕塑家證明，一個人的垃圾是另一個人的寶藏，因為他使用木屑（具體而言，從西伯利亞雪松樹木屑）來創造藝術的細膩和複雜的工程。

在他自己的話說，謝爾蓋指出：“這不是很有趣的事情別人可以。要創建無中生有的一種全新方式更加鼓舞人心。”

                     杉木片，他用小而非常細膩。

                通過使用不同的形狀和大小的芯片，他創造了在他的雕塑不可思議的細節和質感。

 

                    有的他用刨花都是那麼細，他們像毛皮或羽毛。

 

                     雖然人們可以進行比較，以動物標本，謝爾蓋說，他所做的是非常不同的。

                             他的動物是有代表性的生活，而不是死亡。

                              他泡成千上萬的木屑在水中，使它們更容易使用。

 

 

                    然後，他精心雕刻和塑造他們。

 

 

                   謝爾蓋工作每天10-12小時，有時花費超過6個月只完成一次雕塑。

 

                       儘管被提供了一個小的財富，他的藝術，謝爾蓋說，這是不賣的。

    

他拒絕出售他的工作其實可能是最有趣的謝爾蓋。他拒絕了17,000美元的報價為他的木片老鷹。雖然他一直在做這些雕塑很長一段時間，因為每個人都是如此艱苦的創造，只有11存在當前。每個人都是愛的真正的勞動。查看更多謝爾蓋的驚人的工作訪問他的  畫廊頁。

世界上最貴的二十幅相片

20.Peter Lik “One” (2010) $1,000,000





世界紀錄保持者，據說他是為了讓大家感受到自然風景的美而拍照，而事實上他是一個極其聰明的藝術品投資商，開畫廊，自己操縱市場價格，然後賣了好多好多要價100萬美元的風景照。











19. Andreas Gursky “Kuwait, Stock Exchange II” (2008) $1,014,354





前世界紀錄保持者Andreas Gursky，史上最貴的二十張照片裏有五幅是他的，這位使用巨幅照片還原上帝視角的德國攝影師總是給人一種按像素買賣的感覺。評論家們認為他的那些宏大的照片，終結了攝影在繪畫麵前的自卑感。











18. Thomas Struth “Pantheon, Rome” (1990/1992 Print) $1,049,000





又是德國攝影師，Thomas Struth試圖通過拍攝這些“世界開始的地方”，創造一種冥想式的烏托邦氛圍，讓大家“享受這種寂靜，和自己溝通，最終與他人溝通”。 當然這種溝通是極其任性的。











17. Edward Weston “Nautilus” (1927) $1,105,000





美國攝影師Edward Weston教科書一般的人物，就算你不知道他的名字，也一定見過他這幅作品，如果你見都沒見過，那你一定還沒有踏進攝影的大門。既然如此，這幅照片的價格應該是最不虛高的價格之一。











16. Richard Avedon “Dovima with Elephants” (1955) $1,151,976





同上一幅作品一樣，經典還是經典。經典就意味著昂貴，也意味著價格裏沒有太多的水分。











15. Richard Prince “Untitled (Cowboy) (1989) $1,248,000





這張照片是萬寶路香煙拍攝現場花絮，如果你認為沒有比一張劇照值一百萬美元更狗血的事，那你已經完全低估了藝術品市場有多狗血，這張照片是Richard Prince完美得翻拍他人的照片，2005年拍賣的時候值一百多萬美元，2008年私人交易居然翻倍成了三百多萬美元成交。嚴格來說這位藝術家都不是玩攝影的，最多算一個會拍照的畫家，成功把自己的翻拍作品賣出了一百萬美元。











14. Alfred Stieglitz “Georgia O’Keeffe Nude” (1919) $1,360,000





裸體是誰的裸體，通常決定著照片的價格。這裸體女人是被稱為美國畢加索的Georgia O’Keeffe，美國的畢加索的裸體當然值錢。











13. Alfred Stieglitz “Georgia O’Keeffe (Hands)” (1919) $1,470,000





如果說藝術品市場還要表現出它高人一等的審美，那麼來自同一位女性的身體的不同部位，手比胸部值錢，Georgia O’Keeffe的手比胸貴了那麼一點點。











12. Edward Weston “Nude” (1925) $1,600,000





Edward Weston的裸體作品那麼多，這幅裸體並不是特別出名也不是特備出彩，就已經賣到了一百六十萬美元比《鸚鵡螺》還貴。這也許就是大師光環加拍賣市場運作的結果吧。











11. Dmitry Medvedev “Tobolsk Kremlin” (2009) $1,750,000





拍攝者是梅德韋傑夫，那時還是俄羅斯總統梅德韋傑夫，如果是普京的話，這幅相片應該要翻倍的成交價了。當然普京作為總統會從事更加高端的油畫市場，普京曾經花二十分鍾畫完了一幅油畫，在他人潤色後賣出了115萬美元。











10. Unknown “Billy The Kid (Fort Sumner, New Mexico)” (1879-80) $2,300,000





Billy是誰？他在林肯郡戰爭中殺死當時的警長而成名，是美國著名槍手、西部傳奇人物，政府稱其為土匪，平民卻視之為英雄，而這是他唯一的照片。











9. Andreas Gursky “Chicago Board of Trade” (1997) $2,355,597











8. Cindy Sherman “Untitled #153″ (1985) $2,700,000





Cindy Sherman自拍，這不是死屍，這應該是世界上最貴的自拍之一，而更貴的那張自拍還是出自Cindy Sherman。











7. Edward Steichen “The Pond-Moonlight” (1904) $2,928,000





此作品攝於紐約的Mamaroneck，畫麵中有一片幽靜的林子，月光造成了池畔的些微反光，為畫意攝影主義的經典之作。這張拍攝於1904年的照片展現出了淺色的月光，然而彩色攝影直到1907年才被發明出來。據悉，《池塘月色》全球目前隻有三幅印刷版，都由Edward Steichen本人親自監製而成。











6. Andreas Gursky “Chicago Board of Trade III” (1997) $3,298,755











5. Andreas Gursky “99 Cent II Diptychon” (2001) $3,346,456











4. Jeff Wall “Dead Troops Talk” (1992) $3,666,500





這張名為《Dead Troops Talk (A vision after an ambush of a Red Army patrol, near Moqor, Afghanistan, winter 1986)》的照片確切來說是一張幻燈片，而且是世上僅存的兩張其中之一。在1992年，攝影師根據上世紀八十年代阿富汗戰爭的場景，使用道具、演員、後期製作等拍攝出來。這張照片也許貴在它特別的大，就像劇場版的Andreas Gursky。











3. Cindy Sherman “Untitled #96″ (1981) $3,890,500





Cindy Sherman這名當代著名攝影師與藝術家，她的作品大多數由自己擔任主角，戲劇味道濃厚。這幅作品拍攝於1981年，是她自拍攝影作品《Centerfold》係列作品之一。佳士得拍賣行在拍賣它時是這樣描述的：“這個女孩是誰?她通過詭計找到了真愛，還是一個戀情失敗的受害者?”，也許事實上這位女孩隻是想著還要掙多少錢來自拍。











2. Andreas Gursky “Rhein II” (1999) $4,338,500



Andreas Gursky有五幅作品上榜，這幅最令人感到震驚的不止是它的價格最貴，而是攝影師用Ps把河對岸的房子全抹了，Andreas Gursky說這才是他的真實。既然真實，那當然比較貴。











1. Peter Lik “Phantom” (1999) $6,500,000

每次都分不清畫作的派別，有了這個教程就再也不用擔心了

1. 印象派

表征：微妙光影的感官捕捉；色彩偏明快，筆法偏鬆散。

哲學：莫奈說：我不畫什麼實體，我隻看到有顏色的實體”，被稱為plein air技法，不可謂不妙。他們對於藝術作品的敘事性和價值觀不感興趣，他們感興趣的是藝術品【如何捕捉感官印象】並激發對光影、運動細膩體驗。

代表作：莫奈（Claude Monet Online）《魯昂大教堂》係列 

時常覺得莫奈的畫像透過雨水洗刷的玻璃般朦朧。莫奈從幾乎同一個角度畫魯昂大教堂30次，用同一件物體每次都有不同呈現暗示了印象派的哲學：一個物體沒有所謂客觀展現，我們能看到的隻是不同感官印象。







再比如雷諾阿（Pierre-Auguste Renoir Online）這幅《煎餅磨坊的舞會》，仿佛如仲夏夜之夢一般明快。注意看畫麵中的閃爍的顏色，有沒有一種陽光透過樹葉的縫隙灑下的微醉？而鬆散模糊的筆觸也對應著舞會中輕快的節奏。







再比如德加（Edgar Degas Online）的《星》，強調的是那一瞬間的感官體驗









新印象派：新印象派是印象派的直係親屬，但又有所不同。相較於印象派，新印象派不那麼注重瞬間的感官印象，而是用係統的色彩理論和技法繪畫。比如點彩畫派的技法：不調色，隻用四原色的色點的疊加給人整體的感官印象。看看喬治修拉（Georges Seurat）的這幅《A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte》





















2. 野獸派

表征：所有的物體都用大塊強烈而濃重的色塊，筆觸奔放直接；不受物體原本的色彩限製，不拘泥於細節和傳統的透視法則，就連陰影都不按常理出牌，例如橘黃色的樹加藍色的陰影，紅色的天空等等。

哲學：顏色首要的功能應是情感的表達。顏色不應受程式拘束，應該讓他們發揮最樸實直接的力量，碰撞出最有表現力情感。

代表作：著名畫家：安德烈・德蘭 《蜿蜒的道路》

物體的立體特征被大色塊替代，物體沒有陰影，難以分辨遠近。注意看天空和樹木的顏色，典型野獸派的配色












馬蒂斯（Henri Matisse Online）的《綠色條紋的馬蒂斯夫人》，感受一下這濃烈的色彩和奔放的質地。











再看看弗拉芒克（Maurice de Vlaminck）的《The River Seine at Chatou》，有沒有一種梵高附體的感覺？你說對了，野獸派的確是受過梵高影響。不過野獸派用色更濃烈，色彩搭配激發一種焦慮感，且筆觸更粗放。



















3. 表現主義

表征：扭曲和誇張形態，強烈的色彩，人性的焦慮，工業社會的異化感；表現來自藝術家內部的【心理體驗】，弱化了感官體驗。

哲學：他們認為藝術可以揭示人性最核心的真相。在某些方麵和野獸主義類似，都用非現實主義的強烈色彩，但不同的是，表現主義是通過顏色來傳達異化、內心的焦慮和人性的掙紮。有些通過自然災害來表現破壞性，有些則是描繪集體中被異化的個體。

代表作：愛德華蒙克 《呐喊》

個體與世界的抗爭。既是視野和聽覺的呐喊，也仿佛整個世界都在撕扯著畫中人物的靈魂呐喊，無法外泄的焦慮和與眼前一切的疏離











Ernst Ludwig Kirchner的《柏林的街道》。棱角分明的線條，令人坐立不安的色彩衝突，來往的人扭曲的形態，疏離的表情，畫麵中心的兩個妓女。



















4. 立體主義

表征：碎裂，淩亂，解析，重組，天才

不遵從透視規則：體被壓至麵，而麵與麵間的結構也不遵守物理法則;用立體主義的視角看一個三維的物體，被向內彎和向外翻呈現的都是同樣的麵。

用一幅畫表現了視角在時空中的變換：物體的內、外、不同麵向，都與畫布的平麵置於同一個平麵。

前景與背景互相嵌入，空間與實體交錯~隻能說...真的很妙

哲學：受塞尚【多視點並置】理念的影響，他們認為藝術是可以征服時間與空間的：視野之於空間，運動之於時間，視野的變換本身就是空間在時間中的運動。

代表作：畢加索（Pablo Picasso : official web site）的《亞維農的少女》據說是他第一幅立體主義畫作，人格分裂傾向已初見雛形，但還可見人形。











喬治布拉克的（Georges Braque）《曼陀鈴》，到了這個時期已經徹底分裂了。但很多立體主義畫家喜歡畫靜物，尤其是各種樂器。看不出是什麼的話，猜個吉他或者曼陀鈴琴說不定就對了。此時的立體主義屬於分析立體主義。











到了格爾尼卡時代人形已基本扭曲，立體主義技術也完全成熟。私以為用立體主義來表現戰爭實在妙至毫巔。淩亂的碎片，斷裂的記憶，對於所有經曆過戰爭的人來說，如陰影，如夢魘，埋藏在潛意識中，無法回憶，無從躲避。這種分裂感被立體主義如此完美拿捏，我竟無言以對。











後期立體主義進入綜合立體主義時代，開始加入更豐富的色彩和材料，比如胡安格裏斯的《Fantomas》



















5. 未來主義

表征：表現速度、力量、科技進步、城市化、活力。時常用平麵展示連續性的移動。

哲學：他們崇尚機器的力量，是藝術家中的硬科幻。他們不遺餘力掙脫美學的枷鎖，擁抱現代社會的一切。他們的表現手法受後現代和立體主義影響。盡管技巧各異，但分辨未來主義的主要方法是共同的主題：速度，現代化，力量。值得一提的是，好多未來主義藝術家後來加入了法西斯。

代表作：賈科莫巴拉《拴著皮帶的狗的動力》

其實我覺得這幅畫萌萌噠ฅ(⌯͒•̩̩̩́ ˑ̫ •̩̩̩̀⌯͒)ฅ...不同時間的連續性的瞬間放在一個平麵上，好吧，硬要說這展現了科技感和未來感其實有點勉強，我隻是覺得萌萌的。



















Luigi Russolo的《高樓》

























6. 達達主義（達達主義比較特殊，原諒我可能廢話多一點了）

表征：無

哲學：荒謬，虛無主義。

達達主義的特殊在於，從它開始，藝術才正式成為哲學遊戲。（僅個人觀點，不喜勿爭）。

他們解構一切，不相信權威。

他們用半開玩笑的方式毀滅了藝術，同時也拯救了藝術。

他們解放所有【你以為是藝術】的觀念，並告訴你【所有你以為不可以是藝術的的】未嚐不可以？

無意義，荒謬，隨機性，無意識，這些都是達達主義的元素。

這也正是你無法給出【什麼是達達主義】這個問題的答案的原因：

你一旦給出係統理論，荒謬便不再荒謬，無意義便被強加了意義。

“達達主義就是反達達主義。”

不為陳列在藝術館中誕生，也不為被解讀而誕生。不如擱置。

代表作：沒有固定形態，各式各樣，隻要能體現【達達】都是達達。

比如機械的達達派 弗朗西斯•皮卡比亞（Francis Picabia）《兒童的汽化器》（The child Carburettor). 看上去是兒童隨意繪製的汽化器吧？但經過一些標注，又可以代表男女生殖器。你以為是生殖器吧，其實不過就是孩子的塗鴉。達達的詼諧幽默背後是虛無主義哲學，否定人生有本質的意義和目的。（看出來沒，達達主義和表現主義的哲學是對立的。表現主義就像尼采一樣，推翻舊有規則以後尋找自己的意義，即使是扭曲與掙紮中；而達達則是加繆，推翻舊有規則，在荒謬裏找樂子）

張愛玲點評六副名畫

世人通常隻知道張愛玲會寫書，卻不知道這個才女，除了會寫好小說，還會繪畫，當然她對畫作也有自己獨到的見解。小編綜合了張愛玲的《談畫》、《忘不了的畫》兩篇散文，來聽聽這位才女對名畫是如何點評的吧。

西斯廷聖母
拉斐爾











“我想到拉斐爾最馳名的聖母像：The Sistine Madonna。抱著孩子出現在雲端，腳下有天使與下跪的聖徒。這裏的聖母最可愛的一點是她的神情，介於驚駭與黔持之間，那驟然的輝煌。




一個低三下四的村姑，驀地被提拔到皇後的身份，她之所以人選，是因為她的天真，平凡，被抬舉之後要努力保持她的平凡，所以要做戲了。就像在美國，各大商家選舉出一個典型的“普通人”，用他做廣告：“普通人先生”愛吸××牌香煙，用××牌剃刀，穿××牌雨衣，讚成羅斯福，反對女人太短的短褲。舉世矚目之下，普通人能夠普通到幾時？這裏有一種尋常中的反常，而山姥看似妖異，其實是近人情的。”



感恩節Doris Lee









“美國的一個不甚著名的女畫家所作的《感恩節》，那卻是絕對屬於現代文明的。畫的是一家人忙碌地慶祝感恩節，從電灶裏拖出火雞，桌上有布丁，小孩在桌肚下亂鑽。粉紅臉，花衣服的主婦捧著大疊杯盤往飯廳裏走，廚房磚地是青灰的大方塊，青灰的空氣裏有許多人來回跑，一陣風來，一陣風去。據芝加哥藝術學院的Sarah Kelly Oehler介紹，該畫完成的時期正值美國大蕭條前後，畫家通過感恩節熟悉的飲食與環境，用鄉愁將大劫過後的美國人聯係在一起。




大約是美國小城市裏的小康之家，才做了禮拜回來，照他們墾荒的祖先當初的習慣感謝上帝給他們一年的好收成，到家全都餓了，忙著預備這一頓特別豐盛的午餐。但雖是這樣積極的全家福，到底和從前不同，也不知為什麼，沒那麼簡單了。這些人盡管吃喝說笑，腳下仿佛穿著雨中踩濕的鞋襪，寒冷，粘搭搭。活潑唧溜的動作裏有一種酸慘的鐵腥氣，使人想起下雨天走得飛快的電車的脊梁，黑漆的，打濕了，變了狠淡的鋼藍色。”



蒙娜麗莎列奧納多·達·芬奇









“我從前的學校教室裏接著一張《蒙納•麗薩》，意大利文藝複興時代的名畫。先生說：“注意那女人臉上的奇異的微笑。”的確是使人略感不安的美麗恍餾的笑，像是一刻也留它不住的，即使在我努力注意之際也滑了開去，使人無緣無故覺得失望。先生告訴我們，畫師畫這張圖的時候曾經費盡心機搜羅了全世界各種罕異可愛的東西放在這女人麵前，引她現出這樣的笑容。我不喜歡這解釋。綠毛龜、木乃伊的腳、機器玩具，倒不見得使人笑這樣的笑。使人笑這樣的笑，很難吧？可也說不定很容易。一個女人驀地想到戀人的任何一個小動作，使他顯得異常稚氣，可愛又可憐，她突然充滿了寬容，無限製地生長到自身之外去，蔭庇了他的過去與將來，眼睛裏就許有這樣的蒼茫的微笑。




《蒙納•麗薩》的模特兒被考證出來，是個年輕的太太。也許她想起她的小孩今天早晨說的那句聰明的話——真是什麼都懂得呢——到八月裏才滿四歲——就這樣笑了起來，但又黔持著，因為畫師在替她畫像，貴婦人的笑是不作興田牙齒的。然而有個十九世紀的英國文人——是不是Walter de La Marel，記不清了——寫了一篇文章關於《蒙納，麗薩》，卻說到鬼靈的智慧，深海底神秘的魚藻。看到畫，想做詩，我並不反對——好的藝術原該喚起觀眾各個人的創造性，給人的不龐當是純粹被動的欣賞——可是我憎惡那篇《蒙納•麗薩》的說明，因為是有限製的說明，先讀了說明再去看圖畫，就不由地要到女人眼睛裏去找深海底的魚影子。那樣的華美的附會，似乎是增多，其實是減少了圖畫的意義。”



The House with Cracked Walls塞尚









“風景畫裏我最喜歡那張《破屋》，是中午的太陽下的一座白房子，有一 隻獨眼樣的黑洞洞的窗；從屋頂上往下裂開一條大縫，房子像在那裏笑，一震一震，笑得要倒了。通到屋子的小路，已經看不大見了，四下裏生著高高下下的草，在日光中極淡極淡，一片模糊。那哽噎的日色，使人想起"長安古道音塵絕，音塵絕--西風殘照，漢家陵闕。"可是這裏並沒有巍峨的過去，有的隻是中產階級的荒 涼，更空虛的空虛。”



Nevermore高更









“一個夏威夷女人裸體躺在沙發上，靜靜聽著門外的一男一女一路說著話走過去;門外的玫瑰紅的夕照裏的春天，霧一般地往上噴，有升華的感覺，而對於這健壯的，至多不過三十來歲的女人，一切都完了。女人的臉大而粗俗，單眼皮，她一手托腮，把眼睛推上去，成了吊梢眼，也有一種橫潑的風情，在上海的小家婦女中時常可以看到的，於我們額為熟悉。這高更第二次赴塔希提島時的作品，也是他的代表作之一。高更曾說：“我想一個簡單的肉體可以喚醒長久遺失的蠻荒狂野中的奢華……”




身子是木頭的金棕色。棕黑的沙發，卻畫得像古鋼，沙發套於上現出青自的小花，羅甸樣地半透明。嵌在暗銅背景裏的戶外天氣則是彩色玻璃，藍天，紅藍的樹，情侶，石欄杆上站著童話裏的稚拙的大烏。玻璃，銅，與木，三種不詞的質地似乎包括了人手能得到的世界的全部，而這是切實助，像這女人。想必她曾經結結實實戀愛過，現在呢，永遠不再了”。




雖然她睡的是文明的沙發，枕的是檸檬黃花布的荷葉邊枕頭，這裏麵有一種最原始的悲搶。不像在我們的社會裏，年紀大一點的女人，如果與情愛無緣了還要想到愛，一定要碰到無數小小的不如意，齷齪的刺惱，把自尊心弄得千瘡百孔，她這裏的卻是沒有一點渣滓的悲哀，因為明淨，是心平氣和的，那木木的棕黃臉上還帶著點不相幹的微笑。仿佛有麵鏡子把戶外的陽光迷離地反映到臉上來，一晃一晃。”



Old Woman with a Rosary塞尚









“《戴著荷葉邊帽子的婦人》，她垂著頭坐在那裏數她的念珠，帽子底下露出狐狸樣的臉，人性已經死去了大部分，剩下的隻有貪婪，又沒有氣力去偷，搶，囤，因此心裏時刻不安；她念經不像是為了求安靜，也不像是為了天國的理想，僅僅是數點手裏咭唎咕碌的小硬核，數著眼麵前的東西，她和它們在一起的日子也不久長了，她也不能拿它們怎樣，隻能東舐舐，西舐舐，使得什麼上頭都沾上一層腥液。”